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La Dolorosa es una pieza de seis elementos, integrados por un dibujo y dos fotocopias del mismo que progresivamente se doblan y después rompen. Para hacerla, utilicé una fotografía que le tomé a una caja de limosnas con la imagen de la Virgen, en una iglesia en Oaxaca que me pareció particularmente significativa porque estaba encadenada. La pieza plantea que obligarnos a ser buenas y abnegadas, es una violación a nuestra libertad como seres humanos.

Presenté ambas series en el Woman’s Building y pasaron sin pena ni gloria, pero también las expuse en 1980 en México y me las censuraron.

Ya estando montada e inaugurada la exposición, me llamaron del Anglo para avisarme que habían desmontado La Dolorosa por quejas de los padres de familia. Sorprendida, pedí hablar con las quejosas para entender su punto de vista. La señora que se molestó aceptó hablar conmigo y cuando le expuse mis ideas, me dijo que no cuestionaba mis ideas, pero no debía usar “la imagen”. En ese momento entendí que, así como los doctores trabajan con sangre y no se impresionan, hay para quienes las imágenes tienen un poder mágico, aunque para los artistas sean simples elementos simbólicos con los que trabajamos.

Como en ese momento no buscaba provocar sino plantear una postura crítica, esta experiencia me llevó a tomarme una serie de fotografías usando un rebozo y cargando a mi pequeño hijo, lo cual inevitablemente aludía a la Virgen, pero sin usar una imagen antigua considerada sagrada. A partir de esas fotos hice la serie Diario de las violencias cotidianas, que pueden ver en el siguiente núcleo.

En la exposición Rayando: dibujos de Mónica Mayer. Un ensayo a tres voces en el Museo de Mujeres Artistas en internet hay más imágenes de estas series. 

La invitación a la exposición, que se llevó a cabo en el entonces Instituto Anglo Mexicano de Cultura AC.

En aquella ocasión, Eli Barta, que trabajaba en  el Unomasuno, sacó una nota hablando de la exposición y denunciando la censura.

Curiosamente, le mocharon el cacho que hablaba de la censura. Ni tarda ni perezosa, escribí una carta al periódico.

Durante mi estancia en el Women’s Building trabajé todo lo que pude con Suzanne Lacy porque me interesaba el tipo de arte político que estaban haciendo ella de manera independiente y el que hacía en colaboración con Leslie Labowitz como Ariadne: A Social Art Network (1978-80). Además de la temática de su obra, generalmente sobre la violencia hacia las mujeres, me atraía que planteaban un arte público para la calle y los medios masivos, que utilizaba el performance, que sus proyectos eran interdisciplinarios, sus estrategias de trabajo colectivo, participativo y en colaboración y, por si todo esto fuera poco, planteaban como arte una cosa rarísima que en aquel momento: el arte relacional y la práctica social. 

 Betsy Irons (izquierda) y Suzanne Lacy (derecha). Foto Mónica Mayer

Con Ariadne: A Social Art Network participé en Take Back the Night,en la construcción de un carro alegórico diseñado para un performance durante la famosa manifestación del mismo nombre que se llevó a cabo en San Francisco a la par del primer congreso nacional “Perspectives in Pornography”.  Nos fuimos desde los Ángeles y allá lo construimos. En mi texto Autobiografía en 8 marchas encuentran algunas ideas e imágenes más sobre esa marcha. 

Estando en el W.B. me metí a estudiar una maestría en Goddard College, cuyo campus esta en Vermont, pero tenía oficinas en Los Ángeles. Aunque cursé todas las materias, nunca obtuve la licenciatura en la ENAP, pero me aceptaron por los créditos cursados, por mi currículum y porque les interesaba el proyecto que se llamó: Feminist Art: An Effective Political Tool. Mi asesora fue Suzanne.

En 1979, Lacy realizó su proyecto Making it Safe, que fue una gran influencia en mi producción posterior y uno de los casos de estudio para mi tesis. Como parte de ese proyecto realicé una de las versiones de El Tendedero. Este proyecto fue fundamental para Traducciones: un diálogo internacional de mujeres artistas, que es del que les voy a platicar. 

Traducciones fue el primer proyecto complejo, de múltiples elementos, que realicé. Consistió en invitar a tres compañeras del Feminist Studio Workshop a viajar a México para que diéramos una serie de conferencias y un taller sobre arte feminista, a la vez que reuníamos información sobre artistas mexicanas que compartiríamos de regreso a E.U. Una segunda parte del proyecto sería llevar una exposición de artistas mexicanas al Woman’s Building, pero nunca se concretó. El objetivo de esta acción era crear un puente entre ambas comunidades.

De los Ángeles vinieron a México Jo Goodwin, Denise Yarfitz y Florence Rosen. Y el equipo de trabajo en México estuvo integrado por Lilia L. de Mayer, Ana Victoria Jiménez, Yan Castro, Mónica Kubli, Ester Zavala, Marcela Olabarrieta, Yolanda Andrade, Ana cristina Zubillaga y Magali Lara.

Entre los eventos programados como parte de Traducciones, hubo una mesa redonda en el Museo Carrillo Gil en la que hablamos del trabajo de las artistas a lo largo de la historia y un taller en Cuernavaca, en la casa que amablemente nos prestó Nancy Cárdenas. También fuimos a Oaxaca. Después regresamos a Estados Unidos y dimos varias conferencias sobre las artistas mexicanas. 

El artículo Feminist Disruptions in Mexian Art, 1975-1987 de Andrea Giunta describe la pieza a fondo.                                             

Invitación al proyecto basado en una fotografía de Denise Yarfitz.

LA RECONSTRUCCIÓN

Uno de los aspectos que me han parecido más interesantes de hacer esta exposición es el reto de reconstruir una pieza como Traducciones: un diálogo internacional de mujeres artistas.

En 1980 presenté una instalación documental de la pieza en una exposición en el Woman’s Building. Consistió en un tablón con dos cuadernillos con el guion de la conferencia en inglés y en español. Sobre el muro, imágenes sacadas de estos mismos cuadernillos.

Esta instalación después se presentó en México y viajó a distintos países en la exposición Künstlerinnen Aus Mexiko. En Alemania me tocó dar la conferencia.

El tiempo ha pasado y la documentación de la pieza lo resintió. De las 15 hojas enmicadas hoy sólo quedan 14. De los cuadernillos, tengo la versión original en inglés, pero de la de español sólo hay una copia en sucio.   Sorprendentemente, estaban casi todas las diapositivas de la conferencia, pero la tecnología ha cambiado tanto, que resultaba inviable utilizarlas. En las cajas del archivo en las que estuvimos hurgando para encontrar materiales, nos encontramos con la grabación de alguna de las conferencias en Los Ángeles que digitalizamos, pero pero no tenía sentido que se presentara en ese idioma, por lo que decidí hacer una reconstrucción de la conferencia usando las diapositivas escaneadas y releyendo el texto. Aquí la pueden ver. Para completar la presentación de la pieza incluimos algunos materiales de prensa y otros documentos.

Otra sorpresa del archivo fue encontrarme con una pieza que hizo Jo Goodwin a partir de los diálogos que tuvo con las artistas mexicanas. También se incluye una selección de ellas en la exposición, al igual que otras reinterpretaciones para acentuar la idea de que el arte se trata de una serie de procesos. Por lo mismo, aparecen los proyectos que fueron importantes para mí, como las piezas de Lacy de las que escribí al principio de este texto.

Uno de los temas que más me interesa es la memoria y, por ende, la documentación. Otro es unir ámbitos, por lo que muchos de mis proyectos tienen un componente de performance, gráfica y texto.

En esta serie de dibujos integro fotografías documentales del proyecto ¡MADRES! del grupo Polvo de Gallina Negra, dibujos escaneados e impresos y todo esto retrabajado con grafito. Son pequeños, tamaño carta.

Pero la idea siguió caminando. En 2005, Víctor y yo empezamos a tomar clases de narrativa oral por considerar que era un medio idóneo para documentar el performance y a partir de esto crear nuevas piezas. Para el IV Encuentro Mundial de Arte Corporal en Venezuela (2008), presentamos una acción llamada Canasta de cuentos mexicanos de performance en la cual le pedíamos al público que sacara al azar el título de un performance y se los contábamos.

 Foto: Yuresky Bastidas                                      Foto Amilcar Gualdron

El siguiente es uno de mis cuentos favoritos sobre el video Autogol Kiss: Autorretrato (1995) de Thomas Glassford:

TOMÁS

Tomás, Tomás, Tomás.

Tomás se paró frente al espejo y se miró.

Se miró y no pudo aguantarse las ganas.

Se besó y se besó y se besó.

¡La imagen le correspondió con el mismo entusiasmo!

Tomás lo grabó todo con una cámara.

Después se sentó frente a la computadora a ver lo que había grabado.

Lo miró. Lo miró y lo miró. Y no pudo aguantarse las ganas.

Se besó. Se besó besándose. Se besó besándose y lo grabó.

Mónica Mayer, 2016